Le peintre Anne-Louis Girodet Roucy-Trioson (1767-1824) se vit confier l’illustration de deux tragédies : Andromaque et Phèdre pour l’édition de Pierre Didot parue en 1801 [13]. Elle se compose de trois volumes in-folio dédicacés à Napoléon, alors premier consul. Cette édition illustrée du théâtre de Racine est l’une des plus connues et sans doute la plus documentée. Les volumes font partie d’une série de grands folios publiés entre 1798 (Virgile) et 1801, connus sous le nom d’éditions du Louvre puisque Pierre Didot les a imprimés dans les locaux de l’ancienne imprimerie Royale créée en 1640 [14]. Les ouvrages ont été tirés de manière particulièrement soignée et en petit nombre, dans un format dont le théâtre de Racine n’avait jusqu’alors jamais bénéficié [15]. L’édition marque aussi une forte rupture iconographique. En effet, le principe d’une seule vignette par pièce est abandonné, au profit d’une planche par acte ; ce sont donc cinquante-six illustrations qui ont été exécutées, auxquelles s’ajoute le frontispice. La présence de l’iconographie au fil des actes modifie grandement le choix des sujets puisque la narration se déploie en suivant le rythme de l’action. Il était sans doute plus aisé d’illustrer une pièce grâce à plusieurs planches qui, selon la volonté de l’imprimeur ne sont pas des vignettes, mais s’apparentent à des tableaux. Pour cela, Didot fit appel à plusieurs artistes de l’école de Jacques-Louis David, ce qui est tout à fait unique dans le corpus racinien. Chacun a travaillé de manière autonome et malgré les qualités de cette édition, l’ensemble manque parfois d’homogénéité. Cette faiblesse, toute relative, est aussi une force puisqu’elle évite l’éventuelle monotonie due à une seule main. C’est donc toute une équipe de dessinateurs et de graveurs qui œuvra pour Pierre Didot : il a célébré dans son avis au lecteur leur travail, rendant hommage à la disponibilité dont ils ont fait preuve pour honorer la commande. Chaque acte est ainsi illustré d’une estampe in-folio qui donne une autre dimension aux vers de Racine et affirme la richesse iconographique des tragédies.
      Les cinq planches que Girodet dessina pour Phèdre s’apparentent au néo-classicisme et soulignent leur proximité avec la statuaire. L’estampe du premier acte affiche une force qui, en laissant paraître l’importance du drame qui se joue, ne peut que retenir l’attention du lecteur (fig. 5). L’éloquence des mouvements contraires de Phèdre et Œnone se trouve renforcée par les jeux de lumière. Le peintre a mis en scène la la dualité de l’héroïne et rappelé qu’elle vient de l’ombre où elle s’est terrée pour dissimuler la passion qui la dévorait :

      Œnone
La reine touche presque à son terme fatal.
En vain à l’observer jour et nuit je m’attache ;
Elle meurt dans mes bras d’un mal qu’elle me cache.
Un désordre éternel règne dans son esprit ;
Son chagrin inquiet l’arrache de son lit ;
Elle veut voir le jour,
[…]

      Phèdre
N’allons point plus avant. Demeurons, chère Œnone.
Je ne me soutiens plus ; ma force m’abandonne.
Mes yeux sont éblouis du jour que je revoi,
Et mes genoux tremblants se dérobent sous moi,
Hélas !
            (Elle s’assied) [16]

Contrainte par sa nourrice à se dévoiler, à révéler au jour ses tourments, elle avoue son amour pour Hippolyte dans une pièce qui ouvre sur les rayons solaires et dans laquelle trône la statue de Thésée, son époux. La lumière extérieure frappe le visage et le corps des deux femmes ; elle rappelle non seulement le contenu de l’échange, mais aussi les origines de Pasiphaé. Avant de mettre tout à fait son cœur à nu, Phèdre avait invoqué le soleil :

      Œnone
Vous vouliez vous montrer et revoir la lumière,
Vous la voyez, Madame, et prête à vous cacher,
Vous haïssez le jour que vous veniez chercher !

      Phèdre
Noble et brillant auteur d’une triste famille,
Toi, dont ma mère osait se vanter d’être fille,
Qui peut-être rougis du trouble où tu me vois,
Soleil, je te viens voir pour la dernière fois !
[…]
Dieux ! que ne suis-je assise à l’ombre des forêts ! [17]